jueves, 7 de mayo de 2015

...DaDaÍsMo...

Poema Dadaísta
¿Cómo hacer un poema dadaísta? (Según Tristan Tzara)

Coja un periódico. 
Coja unas tijeras. 
Escoja en el periódico un artículo de la longitud que cuenta darle a su poema. 
Recorte el artículo. 
Recorte en seguida con cuidado cada una de las palabras que forman el artículo y métalas en una bolsa. 
Agítela suavemente. 
Ahora saque cada recorte uno tras otro. 
Copie concienzudamente 
en el orden en que hayan salido de la bolsa. 
El poema se parecerá a usted. 
Y es usted un escritor infinitamente original y de una sensibilidad hechizante, aunque incomprendida del vulgo.

Surrealismo y expresionismo

El surrealismo

El Surrealismo nace en 1924 en París con el Manifiesto del Surrealismo de André Breton. Contribuyeron con su nacimiento de manera importante tanto el Dadaísmo como la pintura Metafísica. Entre los movimientos de la época con los que el Surrealismo tuvo influencias recíprocas y resonancia están el Arte Abstracto, el Cubismo y el Futurismo.


Algunas definiciones del surrealismo son las siguientes:

La siguiente cita fue expuesta por Breton, A. (1930):

“Todo conduce a pensar que hay un cierto punto del espíritu donde la vida y la muerte, lo real y lo imaginario, el pasado y el futuro, lo comunicable y los incomunicable, lo alto y lo bajo dejan de percibirse como contradicciones. En vano se buscaría en la actividad surrealista otro móvil que la esperanza de la determinación en este punto” (p. 8).

De esta manera, Breton expone que tanto la parte ficticia como lo real son equivalentes; por tanto, no hay distinción y lo que se intenta expresar es lo objetivo como lo subjetivo.

Además, Palumbo, F. (2010) retoma a Marcel Raymond con la siguiente cita: “El Surrealismo, en sentido amplio, representa el intento más reciente de romper con las 'cosas que son' y sustituirlas por otras” (p.8), es decir, lo que busca es romper con las estructuras y con lo establecido, por ejemplo, la inclusión de arcaísmos, metáforas, galicismos, etc.

El automatismo en el Surrealismo

El arte surrealista se basa en imágenes e ideas que vienen de los pensamientos del subconsciente. Los aspectos racionales y lógicos del pensamiento son invalidados por el flujo espontáneo de impulsos creativos de la mente surrealista del creador.

Asimismo, Palumbo, F. (2010) retoma a Breton, ya que este expone:

"Automatismo psíquico puro por cuyo medio se intenta expresar, verbalmente, por escrito o de cualquier otro modo, el funcionamiento real del pensamiento. Es un dictado del pensamiento, sin la intervención reguladora de la razón, ajeno a toda preocupación estética o moral. […] El Surrealismo se basa en la creencia en la realidad superior de ciertas formas de asociación desdeñadas hasta la aparición del mismo, y en el libre ejercicio del pensamiento. Tiende a destruir definitivamente todos los restantes mecanismos psíquicos y a sustituirlos en la resolución de los principales problemas de la vida” (p. 9).

La idea anterior hace referencia a las técnicas de automatismo, pues han tomado en consideración diferentes formas artísticas: escritura, pintura, escultura, fotografía, cine. Asimismo, existen numerosas variantes y medios, a menudo contando con procedimientos casuales, a veces poniendo en juego al artista. Por consiguiente, tomando como punto de partida las asociaciones automáticas que Freud había usado en análisis para interpretar los sueños, Breton y Soupault fueron los primeros en desarrollar la "écriture automatique" como técnica surrealista automática que luego pasó a las otras artes.


Pintura surrealista


Marx Ernst, (1942). Surrealismo e pittura.

Pinturas con seres monstruosos con ese carácter blando, amorfo, que en este caso es un ser el que lleva a cabo la obra de arte e indica como la pintura surrealista no es fruto de la creación racional, sino de los monstruos, de la fantasía que invade la mente del artista.

El expresionismo literario



El expresionismo en la literatura se manifestó primero en la poesía y después, en la narrativa ( su mayor representante fue Alfred Doblin) y el teatro. Con respecto a la poesía expresionista, esta tuvo su mayor desarrollo entre 1910 y 1914, ya que en la poesía del expresionismo se encuentra: hondura, variedad renovadora de temas, aspiraciones cósmicas, audacias del lenguaje y de la métrica, así la poesía expresionista expresa desolación, dolor, muerte y destrucción. Uno de los representantes es August Stramm (1874-1915).


El expresionismo surge como reacción ante el Realismo y el Impresionismo, mientras que estos movimientos se interesaban en representar la realidad, el expresionismo se interesa más por la manera en la que el artista percibe las cosas exteriorizando su visión de acerca de estas, por lo tanto, es un arte mucho más abstracto, creativo y más centrado en el ser humano.


Consiguientemente, el expresionismo es como un grito de desesperación que sale de dentro del ser humano; el artista necesita expresarse, gritar la angustia que siente y lo hará con grandes manchas de color, con exageraciones que deforman la realidad, con extrañas alegorías, con caricaturas e hipérboles, por ende, refleja toda una serie de preocupaciones profundas: la magia, los sueños, la religión, la filosofía orientales y el anhelo de hermandad universal.


En cuanto a la literatura expresionista se sirvió del uso de un lenguaje desgarrado, la presencia constante de la muerte, la violencia, la crueldad, la elaboración de personajes abstractos o genéricos, las narraciones fragmentadas, la crítica a la burguesía y la presencia de lo grotesco como medio de representar la naturaleza humana



Imagen expresionista



Alfred Döblin, 1979. El amigo de los animales.




Referencias bibliográficas


Carmen, A. (2003). El expresionismo literario. [pdf]. Recuperado de http://www.aieti.eu/pubs/actas/I/AIETI_1_CGG_ [Consulta 9 de marzo 2015].


Palumbo, F. (2010). La inspiración en el Surrealismo. [pdf]. Recuperado de http://www.parquecarcarana.org/m/La_inspiracion_en_el_Surrealismo. [consulta 1 de mayo 2015].


miércoles, 6 de mayo de 2015

Fauvismo

FAUVISMO




El fauvismo fue un movimiento pictórico francés de escasa duración. Se desarrolló entre 1904-1908 aproximadamente. Su estilo pistórico utiliza colores fuertes, contrastados, sobresaliendo el cromatismo irreal, es decir, utiliza colores que en la realidad no existen (por ejemplo: árboles rojos, amarillos, etc.). Expresa la libertad, rebeldía, imaginación y sentimientos del artistas, no siguiendo contornos perfectos ni líneas exactas, sino que deja fluir el mundo interior del artista. 

                                                   Arte Fauvista

                                                                              


La Danza: Esta Obra de Henri Matisse muesta cinco personajes representados que forman, según Matisse, "un corro que parece volar sobre la colina", mientras bailan una danza provenzal. El artista simplificó los contornos de las figuras y redujo la gama de colores.
https://fauvismosigloxx.files.wordpress.com/2008/06/pezrojooool2.jpg


Peces Dorados: Henri Matisse, se inspiró en su viaje a Marruecos, y hace referencia a esto en las flores y hojas al lado de la pecera.






El puente de Waterloo, André Derain  
 

El puente de Waterloo: André Derain, entusiasmado por la atmósfera de la capital británica, realizó una interpretación fauvista de las orillas del Támesis. El motivo pictórico es el puente de Waterloo.




  






Puente de Londres: Obra Fauvista realizada por André Derain, pintada en grandes áreas de colores fuertes, con la perspectiva distorsionada, los edificios recortados contra el cielo en contrastes de color verdes y azules y las masas de color que delimitan la profundidad.


 
La Danza (1906): el autor André Derain, realiza un homenaje a la luz, el color y el sentido lúdico de la vida. Este hace gala de un exuberante cromatismo, como buen miembro del movimiento fauvista. En esta obra puede observarse la influencia de las estampas japonesas, tan apreciadas por los artistas de finales del siglo XIX y principios del XX, en lo que respecta tanto a la ausencia de perspectiva como a la calidad uniforme y plana de los colores. Las líneas arabescas del traje de una de las bailarinas, también perceptibles en los árboles que constituyen el paisaje de fondo.


Otros ejemplos de pinturas Fauvistas:




FAUVISMO
Trisha Keiman    



Ventana abierta, Henri Matisse

    
Circus de Maurice de Vlaminck

Características del Fauvismo
Henri Manguin, Study for a Naiad

























Referencias bibliográficas

https://fauvismosigloxx.wordpress.com/
http://www.biografiasyvidas.com/
http://www.arteespana.com/fauvismo.htm

jueves, 30 de abril de 2015

ARTE MEXICANO




Arte mexicano


“Al comienzo me preocupé de que el escultor registrara la belleza sucesiva de una ser que está cambiando; después el arte se convirtió en una especie de operación mágica capaz de evocar un rostro perdido”


La intención del arte es diferente. El olvido pretende cubrir las formas pasadas para dar paso a las presentes. Sin embargo, la consolidación del nuevo ser que se propone como verdadero, la propuesta de occidente y la fe del cristianismo sobre la herejía, se fundan sobre una tradición que no es fácil dejar de lado.


La Catrina fue creada por artistas mexicanos para hacer una representación metafórica de la alta clase social de México, que prevalecía antes de la Revolución Mexicana.

Posteriormente se convirtió en el símbolo oficial de la Muerte, ya que en México se celebra el Día de los Muertos el 1 y 2 de noviembre en toda la República Mexicana.

El mexicano se burla de la muerte y juega con ella con cierta picardía y el debido respeto.

De acuerdo con el folclor mexicano, “La Catrina,” mejor conocida como la Muerte y con muchos nombres más, puede mostrarse de muchas formas.


Algunas veces se representa alegre, vestida de manera elaborada, con ganas de divertirse e incluso coqueta y seductora con los mortales. Otras, la encontramos “en los mismos huesos”, lista para llevarnos cuando menos lo esperamos. Sin embargo, la relación que los mexicanos tienen con “La Catrina” se define por una serie de circunstancias íntimamente vinculadas con la historia y cultura de México, las tradiciones y costumbres de cada región; la consideran un huésped imprescindible en ocasiones importantes, como el Día de Todos Santos y el Día de los Fieles Difuntos.






Arte femenino 


Kahlo, Frida (1907-1954). Fue una destacada pintora mexicana. Sufrió un grave accidente, dejándola postrada en la cama, por aburrimiento empezó a pintar.Acabó por ser la pasión de su vida. " Yo pinto mi propia realidad, lo único que se es que pinto porque lo necesito, y pinto lo que se me ocurre, sin mas consideraciones"








Bracquemond, Marie (1840-1916). Pintora impresionista. Cansada de las constantes críticas de su marido, dejó de pintar.









Aró, Remedios (1908-1963). Pintora surrealista hispano-mexicana. Su obra entera está teñida de una atmósfera de misticismo, pero plasmado en las figuras representativas del mundo secular moderno. Su pintura está puntualizada por un marcado interés por la iconografía científica.













Detalle del mural Sueño de una tarde dominical en la Alameda Central a la izquierda de La Catrina, Diego Rivera (niño) y Frida Kahlo, a la derecha José Guadalupe Posada







Principal artistas




GABRIEL OROZCO


El artista más renombrado de México. Es el único de los enlistados que ha expuesto en los recintos de arte contemporáneo más importantes del mundo: el MOMA de Nueva York, el Centro Pomprideau de París, el Museo Reina Sofía de Madrid y el Tate de Londres. Sin duda fue la gran revelación de la plástica mexicana en los últimos 20 años.






FRANCIS ALŸS

Belga de origen, ha trabajado diversos medios como el dibujo, la instalación, el video, la obra in situ y el happening. Su obra se encuentra dentro de las grandes colecciones a nivel internacional, incluido el Museo de Arte Moderno de Nueva York.






ABRAHAM CRUZVILLEGAS

Una de las voces más fuertes y jovenes del arte contemporáneo en México, Cruzvillegas pegó fuerte en el 2010 con "Autoconstrucción", exposición que versaba sobre la ciudad de México y que viajó a Nueva York, Los Ángeles y Seúl.



http:/132.248.130.20/revistadecires/articulos/art15-10.pdf
http://es.paperblog.com/mujeres-artisticas-en-la-historia-del-arte-728155/

domingo, 26 de abril de 2015

Arte Africano

El arte africano se ha encontrado en su mayoria asociado a aspectos religiosos y sociales, se consideran un conjunto de manifestaciones artisticas de la poblacion originaria de Africa.

La danza asi como otras manifestaciones tiene una gran relevancia historica, por ejemplo el Vimbuza conocida como danza de la curacion, es muy popular en la poblacion tumbuka que vive al norte de Malawi. El Ng’oma  que significa "tambores de la afliccion" sigue siendo muy importante dentro del sistema de salud indigena.


El ritual de Vimbuza se remonta a mediados del siglo XIX, inicia como un modo de superar las experiencias traumaticas de la opresion, especialmente utilizada durante la ocupacion britanica.

Otros alcances del arte africano se ven reflejados en artistas como Amadeo Modigliani, pintor y escultor italiano, fue una de las grandes personalidades de la pintura a principios del siglo XX.  Nacio el 12 de junio de 1884 en Livorno, Italia de una familia pequeña de judios, estudio pintura en la escuela de Bellas Artes de su ciudad natal y posteriormente en Florencia y Venecia.

Su decantacion por la escultura provino de la impresion que le generaron las obras del escultor rumano Constantin Brancusi, asi mismo se inspiro en las mascaras africanas con rasgos alargados como la escultura llamada Cabeza de 1912.



Las mascaras africanas son uno de los objetos mas importantes del arte africano, representan personajes que bailan y toman su propio caracter, algunas se utilizan en ceremonias religiosas, otras son utilizadas para divertir sus funciones suelen ser diversas. El arte africano tambien influyo en algunas obras de Picasso, Les Demoiselles d' Avignon de 1907 muestra a dos mujeres con mascaras africanas, aunque se pinto al comienzo del cubismo tambien se dio durante la influencia africana, este cuadro fue uno de los primeros en las obras del artista en que aparecen las mascaras africanas.

Picasso, 1907.


enlace
http://picassocomplutense.blogspot.com/2013/04/la-influencia-africana.html
http://www.biografiasyvidas.com/biografia/m/modigliani.htm
Enlace

martes, 21 de abril de 2015

Cubismo



Periodos de Pablo Picasso 


En la carrera artística de Picasso en el cubismo, se destacaron varios periodos como: 

Periodo Cubista (1908-1916):

Transcurre entre 1908 a 1916 y se inicia con la obra "las señoritas de Avignon". En este periodo Picasso tiene una manera de pintar neoclásica, Busca una pintura pura, y para ello comenzó a observar los objetos de su taller, de modo intelectual. Obras características; El Retrato de Vollard (1910), “le guitariste” (1910) y El aficionado (1912)

El aficionado (1912)
Le guitariste (1910)

El Retrato de Vollard (1910)

Periodo Azul (1901-1904):

En el año 1901, Picasso se embarcó en su época azul. Se llama así porque este color predominaba en la mayoría de las pinturas . En esta época, las pinturas de Picasso muestran la desesperación, la soledad y la tragedia.
Durante este periodo de su vida, Picasso estaba muy triste y melancólico, contempla la vida de una forma pesimista. Este sentimiento le conduce a denunciar las miserias humanas.
La época azul comenzó con el cuadro Evocación "El entierro de Casagemas". Este cuadro marcó el principio de una nueva fase de creación en la obra de Picasso. Es una memoria de su amigo muerto. Picasso organizó para su amigo un entierro digno de un santo. Pero su versión resultó algo profana. Este cuadro muestra la tragedia y también la alegoría que existe en algunos de los cuadros de la época azul. El cuadro es obra del dolor. La muerte fue para Picasso la experiencia decisiva y en su subconsciente constituyó el tema de los cuadros de la época azul.

El entierro de Casagema (1901)
En sus obras aparecen mendigos, gente pobre y marginal, todas marcadas por la tragedia.
En la época azul, Picasso distorsionó a la figura humana con imaginación para representar el decaimiento moral y físico de sus personajes. Dibujó miembros y dedos alargados y pintó cuerpos huesudos.

El guitarrista viejo (1903)
El cuarto azul

El Hurgador


Periodo Rosa (1904-1907):

Después de la época azul, Picasso empezó su época rosa. La época rosa empezó en 1904 y duró hasta 1907, cuando él empezó sus experimentos con el cubismo.
En seguida, la vida de Picasso cambió y su arte cambió también. Picasso se enamoró de una persona por primera vez, y su humor se aclaró. Encontró, por accidente, a Fernande Olivier, su primera compañera fija durante un largo tiempo. 
Durante este tiempo, Picasso empezó a pintar con colores más humanos y más vivos. Sus pinturas reflejan su júbilo nuevo. Usó colores diferentes y ensanchó su alcance azul. Su alcance nuevo incluyó el rosado, el anaranjado y el rojo. Pintó cuadros tranquilos de colores delicados, abandonando los azules. Las pinturas de esta época rosa son más vivas y líricas que las otras.
Los personajes de las pinturas de Picasso cambiaron también. El conoció y retrató a los miembros del Circo Medrano. Las primeras pinturas de la época rosa son de artistas de circo y sus familias. Estas pinturas muestran una felicidad gentil y delicada. A Picasso le gustó la agilidad y el coraje de los artistas de circo. Pintó muchos cuadros de artistas. El cuadro siguiente, Familia de saltimbanques con mono (1905), es un ejemplo perfecto de las pinturas de la época rosa. Hay mucha afecto y mucha ternura en la pintura.

Madre e hijo (1905)





Familia de saltimbanques con mono (1905)



Al fin de la época rosa, las pinturas de Picasso empezaron perder un tema fijo. Picasso eliminó lo específico de sus pinturas. Los cuadros todavía son gratos y amables, pero ninguna de las pinturas tiene ni un lugar real ni un sentido del tiempo. La hora, el día y la temporada están extraviados. Los personajes de las pinturas tampoco tienen identidad verdadera alguna. Son caras sin personalidad ni emoción. 


Muchacho conduciendo un caballo (1906)