jueves, 30 de abril de 2015

ARTE MEXICANO




Arte mexicano


“Al comienzo me preocupé de que el escultor registrara la belleza sucesiva de una ser que está cambiando; después el arte se convirtió en una especie de operación mágica capaz de evocar un rostro perdido”


La intención del arte es diferente. El olvido pretende cubrir las formas pasadas para dar paso a las presentes. Sin embargo, la consolidación del nuevo ser que se propone como verdadero, la propuesta de occidente y la fe del cristianismo sobre la herejía, se fundan sobre una tradición que no es fácil dejar de lado.


La Catrina fue creada por artistas mexicanos para hacer una representación metafórica de la alta clase social de México, que prevalecía antes de la Revolución Mexicana.

Posteriormente se convirtió en el símbolo oficial de la Muerte, ya que en México se celebra el Día de los Muertos el 1 y 2 de noviembre en toda la República Mexicana.

El mexicano se burla de la muerte y juega con ella con cierta picardía y el debido respeto.

De acuerdo con el folclor mexicano, “La Catrina,” mejor conocida como la Muerte y con muchos nombres más, puede mostrarse de muchas formas.


Algunas veces se representa alegre, vestida de manera elaborada, con ganas de divertirse e incluso coqueta y seductora con los mortales. Otras, la encontramos “en los mismos huesos”, lista para llevarnos cuando menos lo esperamos. Sin embargo, la relación que los mexicanos tienen con “La Catrina” se define por una serie de circunstancias íntimamente vinculadas con la historia y cultura de México, las tradiciones y costumbres de cada región; la consideran un huésped imprescindible en ocasiones importantes, como el Día de Todos Santos y el Día de los Fieles Difuntos.






Arte femenino 


Kahlo, Frida (1907-1954). Fue una destacada pintora mexicana. Sufrió un grave accidente, dejándola postrada en la cama, por aburrimiento empezó a pintar.Acabó por ser la pasión de su vida. " Yo pinto mi propia realidad, lo único que se es que pinto porque lo necesito, y pinto lo que se me ocurre, sin mas consideraciones"








Bracquemond, Marie (1840-1916). Pintora impresionista. Cansada de las constantes críticas de su marido, dejó de pintar.









Aró, Remedios (1908-1963). Pintora surrealista hispano-mexicana. Su obra entera está teñida de una atmósfera de misticismo, pero plasmado en las figuras representativas del mundo secular moderno. Su pintura está puntualizada por un marcado interés por la iconografía científica.













Detalle del mural Sueño de una tarde dominical en la Alameda Central a la izquierda de La Catrina, Diego Rivera (niño) y Frida Kahlo, a la derecha José Guadalupe Posada







Principal artistas




GABRIEL OROZCO


El artista más renombrado de México. Es el único de los enlistados que ha expuesto en los recintos de arte contemporáneo más importantes del mundo: el MOMA de Nueva York, el Centro Pomprideau de París, el Museo Reina Sofía de Madrid y el Tate de Londres. Sin duda fue la gran revelación de la plástica mexicana en los últimos 20 años.






FRANCIS ALŸS

Belga de origen, ha trabajado diversos medios como el dibujo, la instalación, el video, la obra in situ y el happening. Su obra se encuentra dentro de las grandes colecciones a nivel internacional, incluido el Museo de Arte Moderno de Nueva York.






ABRAHAM CRUZVILLEGAS

Una de las voces más fuertes y jovenes del arte contemporáneo en México, Cruzvillegas pegó fuerte en el 2010 con "Autoconstrucción", exposición que versaba sobre la ciudad de México y que viajó a Nueva York, Los Ángeles y Seúl.



http:/132.248.130.20/revistadecires/articulos/art15-10.pdf
http://es.paperblog.com/mujeres-artisticas-en-la-historia-del-arte-728155/

domingo, 26 de abril de 2015

Arte Africano

El arte africano se ha encontrado en su mayoria asociado a aspectos religiosos y sociales, se consideran un conjunto de manifestaciones artisticas de la poblacion originaria de Africa.

La danza asi como otras manifestaciones tiene una gran relevancia historica, por ejemplo el Vimbuza conocida como danza de la curacion, es muy popular en la poblacion tumbuka que vive al norte de Malawi. El Ng’oma  que significa "tambores de la afliccion" sigue siendo muy importante dentro del sistema de salud indigena.


El ritual de Vimbuza se remonta a mediados del siglo XIX, inicia como un modo de superar las experiencias traumaticas de la opresion, especialmente utilizada durante la ocupacion britanica.

Otros alcances del arte africano se ven reflejados en artistas como Amadeo Modigliani, pintor y escultor italiano, fue una de las grandes personalidades de la pintura a principios del siglo XX.  Nacio el 12 de junio de 1884 en Livorno, Italia de una familia pequeña de judios, estudio pintura en la escuela de Bellas Artes de su ciudad natal y posteriormente en Florencia y Venecia.

Su decantacion por la escultura provino de la impresion que le generaron las obras del escultor rumano Constantin Brancusi, asi mismo se inspiro en las mascaras africanas con rasgos alargados como la escultura llamada Cabeza de 1912.



Las mascaras africanas son uno de los objetos mas importantes del arte africano, representan personajes que bailan y toman su propio caracter, algunas se utilizan en ceremonias religiosas, otras son utilizadas para divertir sus funciones suelen ser diversas. El arte africano tambien influyo en algunas obras de Picasso, Les Demoiselles d' Avignon de 1907 muestra a dos mujeres con mascaras africanas, aunque se pinto al comienzo del cubismo tambien se dio durante la influencia africana, este cuadro fue uno de los primeros en las obras del artista en que aparecen las mascaras africanas.

Picasso, 1907.


enlace
http://picassocomplutense.blogspot.com/2013/04/la-influencia-africana.html
http://www.biografiasyvidas.com/biografia/m/modigliani.htm
Enlace

martes, 21 de abril de 2015

Cubismo



Periodos de Pablo Picasso 


En la carrera artística de Picasso en el cubismo, se destacaron varios periodos como: 

Periodo Cubista (1908-1916):

Transcurre entre 1908 a 1916 y se inicia con la obra "las señoritas de Avignon". En este periodo Picasso tiene una manera de pintar neoclásica, Busca una pintura pura, y para ello comenzó a observar los objetos de su taller, de modo intelectual. Obras características; El Retrato de Vollard (1910), “le guitariste” (1910) y El aficionado (1912)

El aficionado (1912)
Le guitariste (1910)

El Retrato de Vollard (1910)

Periodo Azul (1901-1904):

En el año 1901, Picasso se embarcó en su época azul. Se llama así porque este color predominaba en la mayoría de las pinturas . En esta época, las pinturas de Picasso muestran la desesperación, la soledad y la tragedia.
Durante este periodo de su vida, Picasso estaba muy triste y melancólico, contempla la vida de una forma pesimista. Este sentimiento le conduce a denunciar las miserias humanas.
La época azul comenzó con el cuadro Evocación "El entierro de Casagemas". Este cuadro marcó el principio de una nueva fase de creación en la obra de Picasso. Es una memoria de su amigo muerto. Picasso organizó para su amigo un entierro digno de un santo. Pero su versión resultó algo profana. Este cuadro muestra la tragedia y también la alegoría que existe en algunos de los cuadros de la época azul. El cuadro es obra del dolor. La muerte fue para Picasso la experiencia decisiva y en su subconsciente constituyó el tema de los cuadros de la época azul.

El entierro de Casagema (1901)
En sus obras aparecen mendigos, gente pobre y marginal, todas marcadas por la tragedia.
En la época azul, Picasso distorsionó a la figura humana con imaginación para representar el decaimiento moral y físico de sus personajes. Dibujó miembros y dedos alargados y pintó cuerpos huesudos.

El guitarrista viejo (1903)
El cuarto azul

El Hurgador


Periodo Rosa (1904-1907):

Después de la época azul, Picasso empezó su época rosa. La época rosa empezó en 1904 y duró hasta 1907, cuando él empezó sus experimentos con el cubismo.
En seguida, la vida de Picasso cambió y su arte cambió también. Picasso se enamoró de una persona por primera vez, y su humor se aclaró. Encontró, por accidente, a Fernande Olivier, su primera compañera fija durante un largo tiempo. 
Durante este tiempo, Picasso empezó a pintar con colores más humanos y más vivos. Sus pinturas reflejan su júbilo nuevo. Usó colores diferentes y ensanchó su alcance azul. Su alcance nuevo incluyó el rosado, el anaranjado y el rojo. Pintó cuadros tranquilos de colores delicados, abandonando los azules. Las pinturas de esta época rosa son más vivas y líricas que las otras.
Los personajes de las pinturas de Picasso cambiaron también. El conoció y retrató a los miembros del Circo Medrano. Las primeras pinturas de la época rosa son de artistas de circo y sus familias. Estas pinturas muestran una felicidad gentil y delicada. A Picasso le gustó la agilidad y el coraje de los artistas de circo. Pintó muchos cuadros de artistas. El cuadro siguiente, Familia de saltimbanques con mono (1905), es un ejemplo perfecto de las pinturas de la época rosa. Hay mucha afecto y mucha ternura en la pintura.

Madre e hijo (1905)





Familia de saltimbanques con mono (1905)



Al fin de la época rosa, las pinturas de Picasso empezaron perder un tema fijo. Picasso eliminó lo específico de sus pinturas. Los cuadros todavía son gratos y amables, pero ninguna de las pinturas tiene ni un lugar real ni un sentido del tiempo. La hora, el día y la temporada están extraviados. Los personajes de las pinturas tampoco tienen identidad verdadera alguna. Son caras sin personalidad ni emoción. 


Muchacho conduciendo un caballo (1906)